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大家在網路上做耳機或是音響的功課的時候,時常看到或是聽到別人說什麼器材的音場表現,那到底大家講的到底是什麼?我們面對很多人在講音場,那麼大家講得音場是長什麼樣子?音場這兩個字有時候很模糊不清。

對我們來說,無論是聆聽喇叭還是耳機,器材對於整個空間的描述應該是要拆成下面三個構造:

  1. 空間感:Space、Sound Field或是Ambience
  2. 音像或是聲音的畫面:Sound Image
  3. Sound Stage:這個也有人翻成音場,但是又跟空間感不同,較趨向於舞台的呈現。

空間感

這裡的空間感,我們必須更明確的解釋為:Space、Ambience。這兩個英文字比較能夠解釋空間的感受。我們人對於空間的感受其實是在一個既定的空間(confined space)中,發出聲響後的空間殘響(reverberation)告訴我們的。由於reverb對於人耳來說有很大時間差效應,所以我們才能大概猜測這個空間大概多大。目前我們遇到的經驗來說,大部份的用家講的音場僅止於空間感而已。而這樣的體驗大多都是因為聽的音樂是流行、搖滾為主。而通常這些類型的音樂的空間感表現都是在唱片混音過程中人工加進去的,這樣的reverb在人聲、樂器乃至於模擬特定空間大小的表現,在聽者的聆聽情感上也會有不一樣的感受。

音像 Sound Image

相較於空間感與Sound Stage,音像比較好解釋。音像是音樂元素在聽者面前的平面定位陳述。所以,以下圖吉他四重奏為例,一個正確負責的錄音與製作要能夠清楚的讓聽者能夠指出左一到右一在哪邊。如果是大編制的交響樂,也應該要能夠知道從左到右有哪些樂器落在哪個區塊。

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Sound Stage

前面空間感講是空間的大小,sound image講的是平面定位,那麼sound stage要談的是層次、深度。Sound Stage也有人會翻譯成音場,但是照字面來看,應該是要解讀為聲音在舞台上的表現比較適當。

以古典樂專輯來說,無論是獨奏、重奏到大編制的交響樂,在兩聲道的系統下聆聽,只要前端訊源、擴大機還ok、喇叭擺位得當且唱片本質不錯,基本上就要不只知道音像的定位,還要能夠點出樂器區塊的前後關係。以Martha Argerich與Mischa Maisky的Schbert Cello Sonate for Apreggione為例,在大提琴進入之後,就可以立馬感覺到提琴在前,鋼琴在後的感覺。以此類推,大編制的音樂,除了左中右的音像外,必須知道各樂器分部的前後相對的定位在哪邊。耳機系統嚴格說起來必須到一個程度之後,才有辦法得到縮小版的sound stage表現。

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photo credit: The Spirit of Turtle

將上面的三個元素:空間感、音像與Sound Stage加起來,才是一個完整的stereo呈現。為什麼我們每次測試器材都一定要先用古典樂聽過才換成流行與搖滾?因為,原則上古典樂唱片在整個製作過程普遍會盡可能還原當時錄音的環境情況,所以,對我們來說,如果器材可以忠實呈現完整的stereo聽感,才算是回歸音響對於空間「傳真」的本質。對我們而言,古典樂大致上能表現得不錯,換到流行與搖滾原則上是不會有問題的。

 

題外話:需不需要聽發燒測試片

說穿了,有的發燒音響測試片的出現是為了測試特定品牌音響能力而去特別做出來的,是有針對性的,所以在特定一些品牌的系統中聽,會感覺音響性與動態會很不錯,但是也有可能在某些品牌的系統中聽卻是美中不足。音響發燒測試片僅止于此,因為你還是得回歸聽自己常聽音樂,很多測試片的曲風你壓根不會再拿出來欣賞第二次的!